Dos Contrabajos firman un score sin melodías para Ciudad de muertos (2026), y lo más inquietante llega cuando casi no suena nada.
Jero Medina se sienta frente a un contrabajo y deja que la vibración grave le atraviese el pecho. Es uno de los primeros días de rodaje y Quique Rangel, el bajista de Café Tacvba, trajo al set bocetos e instrumentos para que el actor absorba el sonido con el cuerpo antes de decir una línea. La película hereda ese gesto: se escucha con la piel antes que con el oído.
El score de Dos Contrabajos, el dúo que Rangel forma con Mike Sandoval, no tiene temas, ni melodías, ni música de fondo en el sentido habitual. Sandoval viene del jazz libre y Rangel, del rock, y juntos trabajan solo con contrabajos: arco raspando las cuerdas, golpes sobre la madera, zumbidos graves, chirridos. Compusieron frente a la pantalla, improvisando sobre el ritmo visual de las escenas en blanco y negro. Se nota, porque la música reacciona a la imagen en lugar de comentarla. Los contrabajos sostienen la tensión sin subrayarla.
El sound design de Javier Umpiérrez va en la misma dirección y apuesta por el minimalismo. No hay jump scares. Los metales y las maderas se hacen notar como materiales, no como efectos, y el sonido ambiente vuelve la película más inmersiva de lo que sugiere su austeridad. Las risas están diseñadas para incomodar: no suenan a humor sino a algo que no debería estar ahí. El silencio, además, deja de ser un vacío y funciona como un instrumento más.
El punto más alto es el cuarto rojo. Las escenas de revelado fotográfico combinan intimidad y tensión, y el detalle del proceso, filmado y escuchado con una precisión casi física, hace que la química y el sonido se vuelvan lo mismo. Es ahí donde las frecuencias graves alcanzan su momento más asfixiante.
Lo más interesante es lo que pasa alrededor del score. La película se permite música que sí tiene forma, y la usa a contrapelo. La radio con jazz dixie mientras el personaje maneja ambienta con sutileza. La charla con el cuervo, envuelta en boleros y mariachis, mueve el tono sin romper la atmósfera. El loquero tiene una ambientación propia, igual de cuidada. Esos fragmentos funcionan por contraste: cuando vuelve el contrabajo, la incomodidad se siente más.
El sonido también cuenta cosas que los personajes callan. La tensión entre la niña y el fotógrafo no se dice, pero se escucha, y se entiende. La película se hace cargo del morbo con el que miramos las fotos de los muertos, y lo asume como propio. Los mirones son los espectadores, y tal vez los muertos, que miran de vuelta.
El final cierra con un arpegio de guitarra y contrabajo, experimental y disonante, que sostiene la tensión hasta el último segundo. Después aparece “Muñequita linda”, de Los Panchos. Es un bolero tierno puesto sobre todo lo que vimos, y funciona como la última incomodidad de la película. Cuando termina, queda la pregunta de quién estuvo mirando a quién.
